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5 minutes qui vous feront aimer la trompette


Dans le passé, nous avons choisi les cinq minutes environ que nous jouions pour faire tomber nos amis amoureux de la musique classique, piano, opéra, violoncelle, Mozart, compositeurs du XXIe siècle, violon, musique baroque, sopranos, Beethoven, flûte, quatuors à cordes, ténors, Brahms, musique chorale, percussions, symphonies et Stravinsky.

Maintenant, nous voulons convaincre ces amis curieux d’aimer la trompette. Nous espérons que vous trouverez ici beaucoup de choses à découvrir et à apprécier ; laissez vos favoris dans les commentaires.

Le terme musical « intrada » suggère une fanfare, une musique pour marquer une entrée. Celui-ci, écrit en 1947 par le compositeur suisse Arthur Honegger, capture les nombreuses personnalités de la trompette : noble et ampoulée, malicieuse et méditative. Hakan Hardenberger glisse harmonieusement entre ces humeurs, conduisant l’énergie à travers la finale exaltante.

Voici mon appel de clairon passionné pour comprendre la trompette ! Vous voyez ce point d’exclamation ? C’est ce que fait une trompette. Il ponctue les émotions. Mon professeur de trompette Bill Fielder demandait toujours : « Qu’est-ce que la trompette ? Je réfléchirais un instant et je proposerais une réponse encyclopédique du type « Un instrument en métal avec… bla, bla, bla ». À cela, M. Fielder répondrait : « C’est un miroir de votre esprit. »

D’ordinaire, je vous inviterais à écouter « Porgy and Bess » de Miles Davis, une collaboration classique entre Miles et Gil Evans. Cet album a préparé le terrain pour que les gens pensent différemment à l’orchestre et au jazz. Mais au moment où j’écris ces lignes, hier, c’était le 16e anniversaire de l’ouragan Katrina. Ma chanson « Funeral Dirge », tirée de l’album « A Tale of God’s Will », composée à l’origine pour la bande originale du premier documentaire de Spike Lee sur Katrina, « When the Levees Broke », me hante encore aujourd’hui. En fait, je n’ai pas l’impression de l’avoir composé. J’ai l’impression qu’on me crie dessus : mon appel de clairon personnel pour entendre et pleurer avec ma ville natale, la Nouvelle-Orléans.

Des cadavres flottant. Des cadavres sur des voitures. Cadavres dans l’herbe. Des cadavres dans des endroits que je connaissais. Des cadavres dans les quartiers où j’ai grandi. J’ai vu ces corps dans les images brutes du documentaire de Spike. Un cadavre que je n’ai pas vu dans la vidéo était celui d’un vieil ami du quartier qui est mort en essayant d’aider les gens à rester sur leurs toits alors que les eaux de crue faisaient rage en dessous. Je n’ai jamais autant pleuré, versant des larmes pour les nombreux corps que j’ai vus, et les nombreux, beaucoup d’autres que je n’ai pas vus. Ce chant funèbre est mon hommage à ces héros courageux, vaillants et tombés au combat. Que Dieu bénisse ces âmes de Katrina – et, aujourd’hui, ces âmes d’Ida.

La sagesse conventionnelle veut que le pic de Louis Armstrong soit venu avec ses enregistrements révolutionnaires de la fin des années 1920 et du début des années 30. Ne le croyez pas ! Il est resté une force créatrice puissante jusqu’au milieu du siècle, et sa performance de 1947 à l’hôtel de ville de “Dear Old Southland” montre comment il a continué à approfondir sa compréhension d’un air.

Cette interprétation en duo, avec le pianiste Dick Cary, commence comme une confession raide ; les premières lignes de trompette suggèrent un orateur confiant une certaine tristesse d’une manière suavement gardée. Mais finalement, la tentative de conserver les apparences se dissout, alors qu’Armstrong envoie des torrents de sentiments jaillissants hurler. L’assurance rayonnante de sa technique – plier les notes, atteindre de nouveaux sommets – donne à ce démêlage une dignité indubitable. Et le bref indice de la fin d’un avenir plus rapide et plus ensoleillé donne un autre regard sur la malléabilité d’une âme.

La meilleure façon d’apprendre à connaître un instrument est d’écrire pour lui. C’est comme apprendre à bien connaître quelqu’un; vous apprenez leurs forces, leurs faiblesses. La trompette a une tessiture très limitée : écrire cette pièce à quatre trompettes était comme être en prison, car la tessiture est si petite ; c’est comme quatre personnes dans une petite pièce. Mais à l’intérieur de ces deux octaves et demie, ça peut vraiment grimper. Si vous passez d’un A à un C, c’est comme si vous alliez du sous-sol au ciel.

Qui aurait imaginé que la lumière touchant la lumière est liée à la compréhension, que l’inspiration et la créativité sont liées dans le cœur et l’âme d’un véritable artiste ? Entendre « Calypso Frelimo » de Miles Davis a été pour moi un moment inspiré de la musique en tant qu’art.

La pièce commence à un niveau incroyablement intense. D’abord le solo de trompette, une musique magnifiquement inspirée avec des sons longs et courts, mugissant glissando multiphoniques entrecoupés de micro-soniques nuancés : développement mélodique pur avec une gamme créative assortie d’émotion, et juste la bonne quantité d’espace et de silence parfaitement cambrés à travers un vaste environnement immobile mystérieusement, sans effort.

La première fois que j’ai entendu un enregistrement de la Symphonie n° 3 de Mahler, j’ai été hypnotisé par la métamorphose du son de la trompette au timbre éloquent et distant du cor de poste, émergeant des coulisses du troisième mouvement. C’était la version de Leonard Bernstein avec le New York Philharmonic, avec John Ware jouant le solo, et en tant que très jeune trompettiste qui avait grandi imprégné de musique commerciale et afro-cubaine, je n’avais jamais entendu une mélodie aussi simple mais poignante. Ce fut l’une des expériences d’écoute qui a eu le plus d’impact sur mes débuts de carrière de musicien d’orchestre symphonique.

Kenny Dorham (1924-1972) n’a pas attiré l’attention avec la puissance et la technique de bravoure de Gabriel. Un favori des connaisseurs de jazz, il a séduit les auditeurs avec la chaleur émouvante, l’esprit coloré et la sagesse discrète du bon vivant le plus branché de la scène. Tout dans son approche de la trompette et de l’improvisation était expressif, détendue et personnel. Les frottis tachetés de son ton crépusculaire et le rebond affectueux qu’il apporte au standard “I Had the Craziest Dream” en 1959 font un bond pour votre cœur. Ses phrases improvisées, livrées avec un charme nonchalant, vous enchantent avec des rimes mélodiques et rythmiques astucieuses et des choix de notes piquantes. Il raconte une histoire, vous invite dans son rêve – où vous tombez amoureux non seulement de la trompette, mais aussi de l’homme au cor.

Chaque année, le « Messie » arrive, et chaque année, presque à la fin, vient le moment de retenir votre souffle. De nombreuses exécutions de l’oratorio classique de Haendel ont désormais lieu sur des instruments d’époque, et la trompette baroque est une bête lourde : longue, droite et dépourvue des valves qui permettent aux trompettes modernes de frapper les notes de manière fiable. Ainsi, même si, espérons-le, cela n’en a pas l’air, la partie solo planante, angélique et royale qui couronne cet air de basse est un test d’habileté impitoyable, alors que le joueur annonce le Jour du Jugement – ​​et endure le sien.

En 1958, mon père, le chef d’orchestre Felix Slatkin, a chargé le compositeur Leo Arnaud de créer des pièces qui démontreraient le nouveau format audio de la stéréo. Utilisant diverses fanfares militaires ainsi que des airs originaux, « Bugler’s Dream » incluait ce qui allait devenir « The Olympic Fanfare ». Le morceau a été présenté sur un album de Capitol Records intitulé “Charge!” et a été réédité plusieurs fois.

Avec des trompettes de toutes tailles et des musiciens séparés dans deux studios différents, il n’y avait tout simplement pas de meilleur moyen de montrer non seulement la nouvelle technologie mais aussi l’incroyable talent des 26 musiciens. Si vous n’aimez pas la trompette après l’avoir écouté, je vous suggère le morceau qui contient les 12 cornemuses.

La trompette est une longueur de plomberie impossible – physiquement exigeante et inconstante – et la jouer implique un acte de contrôle illusoire. Les trompettistes, à leur meilleur, renoncent à une partie de cette tromperie, et leur imperfection laisse à l’auditeur un secret : l’humanité du musicien. Ils aspirent à quelque chose d’essentiel et l’échec à l’atteindre montre leur véritable virtuosité. Ce que Ron Miles accomplit sur “Witness” exige qu’il aille au-delà de sa technique prodigieuse, et le son déchirant qui vient de sa rupture de l’illusion est la trompette la plus essentielle : vulnérable, virtuose et réelle.

Pas moins de 14 trompettes (et 11 autres cuivres) brillent puissamment dans le final en fanfare de la Sinfonietta de Janacek. Écrit en 1926 pour l’ouverture d’un festival de gymnastique de masse qui était à la fois une aubaine pour le fitness et une explosion de fierté nationale tchèque, l’œuvre s’inspire d’un orchestre militaire que son compositeur a entendu – et dont il a cherché à capturer le son brut et brillant et l’esprit déterminé. Un hymne aux forces armées semble affreux, mais Janacek a créé quelque chose à la fois local – un portrait de Brno, sa ville natale – et universel. La musique ne reflète pas le chauvinisme réactionnaire, mais la libération sauvage.

Johnny Coles peint un éventail des possibilités de timbres de la trompette à leur meilleur : des bleus doux, des tons de beurre doré et des oranges d’airain qui révèlent un dessous tendre du cor. Il fait oublier que la trompette est née comme instrument de fanfare et de guerre. Mais finalement c’est la largeur d’expression que j’aime le plus ici, les espaces laissés pour mettre ces couleurs en lumière. Et tandis que les contours harmoniques de Coles glissent principalement à l’intérieur des lignes, les moments éphémères où la trompette patine à l’extérieur – barbouillant, courbé, planant – mettent en avant une beauté aux teintes violettes, faisant résonner le blues à l’intérieur d’une forme féminine.

Dans cet enregistrement, je suis attiré par la façon dont la trompette exprime le message de la chanson aussi clairement que les paroles. Dans ma carrière, j’ai vu de mes propres yeux comment les compositions de Gabriella Smith, la poésie de Paul Simon et la puissance de la voix de Justin Vernon peuvent exprimer un large éventail de sentiments si directement. Si vous considérez la musique comme la communication d’émotions humaines complexes d’un artiste à un auditeur à travers le son – et si vous pensez à la musique classique plus largement dans la tradition américaine – personne ne le fait mieux que Louis Armstrong. Ce qui m’a d’abord attiré vers la trompette, et continue de m’attirer, c’est à quel point le son est proche de la voix humaine, à la fois dans ses capacités expressives et ses moyens de production : souffle, vibration, projection.

Le Concerto en ut mineur d’Alessandro Ignazio Marcello était à l’origine un concerto pour hautbois, mais a depuis été adapté pour être joué par d’autres instruments, et l’un de ses enregistrements les plus populaires présente Tine Thing Helseth à la trompette piccolo. La première fois que j’ai entendu cette pièce, j’étais en sixième. Je ne savais pas ce qu’était une trompette piccolo à l’époque, mais je savais que je voulais éventuellement arriver à un point de ma carrière où je serais capable de jouer un morceau aussi riche et intéressant que celui-ci.

Leroy Anderson, le maître de la miniature orchestrale légère, a rappelé que sa pièce de 1949 « A Trumpeter’s Holiday » avait ses origines dans les coulisses d’un concert de Boston Pops. Le grand trompettiste Roger Voisin, alors principal des Pops, se plaignait que les œuvres pour trompettes avaient tendance à être fortes, martiales, triomphantes. Voisin a suggéré à Anderson d’essayer d’écrire quelque chose de différent.

Le résultat fut cette douce berceuse. Bien sûr, c’était toujours une pièce de trompette, donc Anderson n’a pas pu s’empêcher de laisser passer des morceaux de jazz : la mélodie envoûtante a une figure de notes répétées légèrement sautillante, même si l’orchestre maintient une ambiance apaisante en arrière-plan, et une section médiane devient agité et syncopé dans un moment de malice.

Enfant jouant du violon, j’étais lent à apprécier la trompette, qui semblait, comme les autres cuivres, capricieuse et résistante à l’expressivité – surtout par rapport aux cordes. Comme j’avais tort. Prenez l’épisode du jeudi du cycle d’opéra de sept jours de Karlheinz Stockhausen « Licht ». Le drame de l’acte II, « Michael Reise um die Erde » (« Le voyage de Michael autour de la terre »), se déroule avec les personnages représentés avec des instruments, et non avec des voix chantées. Dans cet extrait, Michael (interprété par une trompette) et Eve (un cor de basset) s’engagent dans un duo coquette, drôle et – contrairement à ce que j’ai cru naïvement un jour – plein d’humanité.



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