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5 minutes qui vous feront aimer la musique chorale


Dans le passé, nous avons choisi les cinq minutes environ que nous jouions pour faire tomber nos amis amoureux de la musique classique, du piano, de l’opéra, du violoncelle, de Mozart, des compositeurs du XXIe siècle, du violon, de la musique baroque, des sopranos, Beethoven, la flûte, les quatuors à cordes, les ténors et Brahms.

Maintenant, nous voulons convaincre ces amis curieux d’aimer la musique chorale – le son magnifique d’une masse de voix. Nous espérons que vous trouverez ici des tas de choses à découvrir et à apprécier; laissez vos favoris dans les commentaires.

Quand j’ai entendu pour la première fois l’album de compilation de Marcel Cellier «Le Mystère Des Voix Bulgares», j’ai été frappé par la qualité vocale du chœur: brut et direct, d’une clarté suprême – et contrairement à tout ce que j’avais entendu auparavant. Dans «Kalimankou Denkou», un solo puissant de Yanka Rupkina est enveloppé d’une riche harmonie en cascade, se déployant avec une complexité organique. C’est une musique tonale parfaite, où l’harmonie et la mélodie se renforcent mutuellement pour transmettre une expression profonde. J’espère que cela vous mènera dans un trou de lapin YouTube dans la musique vocale non seulement de la Bulgarie, mais aussi des régions voisines comme l’Albanie, la Grèce, la Géorgie et la Corse.

James Baldwin a écrit sur «les rares occasions où quelque chose s’ouvre à l’intérieur et où la musique entre», et je ne peux penser à aucune pièce chorale plus sûre d’entrer dans l’esprit d’un auditeur que «Total Praise» de Richard Smallwood. Smallwood parle de «louange au sommet de la montagne» – célébrer Dieu quand tout va bien – et de «louange de la vallée», remercier Dieu dans les moments les plus sombres de la vie. Écrit lorsque sa mère et son marraine étaient en phase terminale, «Total Praise» a apporté de la force à des millions d’auditeurs, des sommets des montagnes aux vallées et à chaque instant entre les deux. Vision offre l’idéal choral: chaque partie est clairement entendue dans un riche spectre de sons communautaires. La séquence «Amen» est une réalisation musicale et spirituelle à la hauteur de tout ce que Bach nous a laissé.

Les chants du répertoire grégorien sont la forme la plus parfaite de chant sacré en Occident. Nés et développés dans le cadre des rites liturgiques de l’Église chrétienne aux huitième et neuvième siècles, ils établissent le fondement de toute la construction de la musique que nous connaissons aujourd’hui – pas seulement sacrée. Dans le progressif «Christus factus est», trois caractéristiques du chant grégorien peuvent être appréhendées: l’étonnante beauté de la mélodie pure, l’adhésion parfaite au texte sacré et la capacité inégalée de toucher les accords les plus profonds de l’âme humaine. Les deux aspects complémentaires du sacrifice du Christ sont vivement exprimés: son humiliation jusqu’à la mort sur la croix (la première partie) et sa glorification (la seconde).

«America Will Be» de Joel Thompson a tout J’adore la musique chorale. Il tisse des textes sur ce que l’Amérique a signifié pour les immigrants de génération en génération, dans une variété de langues. Il utilise une variété de techniques de composition et d’effets qui ajoutent de la richesse aux textures. Il est rythmiquement complexe, évoquant des sentiments de malaise à l’urgence à la fermeté. Il présente de magnifiques moments de chant solo avec un beau soutien de la chorale. Cette pièce explore tant de couleurs harmoniques, emmenant l’auditeur dans un voyage de l’imprévisibilité dissonante à l’inévitabilité consonantique.

Les premières itérations de la mélodie «Ode à la joie» dans le dernier mouvement du Neuvième de Beethoven sont magiques. Mais c’est là que je m’étouffe: quand les voix des hommes, attachées aux trombones, posent le défi de Schiller de la fraternité universelle, envoyant un baiser – «diesen Kuss» – au monde avec toute la solennité d’un serment. Ils sont répondus par une pluie de météores de voix aiguës, et la musique se développe dans des vagues de lumière qui se chevauchent; vacille; prend de l’élan; et est de nouveau suspendu dans une pause palpitante, comme si le cosmos retenait son souffle. Et puis ils sont partis, instrumentistes et chanteurs, certains sautant et certains marchant, jusqu’à la fin jubilatoire.

En tant que femme de couleur et compositrice, je lutte avec la période classique. Largement considéré comme l’apogée de la culture d’Europe occidentale, ce fut une période pleine de colonisation violente et d’esclavage. Née en Allemagne en 1098, au Moyen Âge, Hildegarde de Bingen est antérieure à cette époque. Plutôt que d’être situé dans une tonalité majeure ou mineure, «Cum processit factura digiti Dei» montre son style de composition vocale clair et apaisant dans le mode phrygien envoûtant. Chef religieuse de l’abbaye d’Eibingen, compositrice, botaniste, auteur et mystique chrétienne, Hildegarde relie la nature et le divin, nous connectant en tant qu’humains à travers le temps.

Il s’agit d’une courte pièce – un cadre de poésie d’une beauté envoûtante de William Blake. Chaque fois que je l’entends en direct ou que je dirige une performance, cela a toujours le même effet: il semble éteindre la lumière dans la pièce. Cela crée chez l’auditeur une sensation de crépuscule, cet endroit bleu mystique entre le coucher du soleil et la nuit. Vous pouvez entendre à quel point la musique est chaleureuse et riche et, à mes oreilles, pleine de pardon. C’est, pour moi, tout le don de la musique chorale – que nous pouvons nous parler dans un langage émotionnel plus profond et plus authentique pour lequel il n’y a tout simplement pas de mots.

Les choristes utilisent collectivement la voix et le corps pour communiquer des mots, et ces mots peuvent englober des histoires et des perspectives différentes des nôtres. Cette année en particulier, nous avons reconnu la nécessité de parler avec intention et honnêteté de l’histoire de notre pays, chargée d’injustice et d’inégalité. La réinvention de Shawn Kirchner fusionne les paroles traditionnelles «America the Beautiful» de Katherine Lee Bates avec ses propres vers décrivant les premières interactions américaines avec les Amérindiens et les Noirs. Les auditeurs sont accueillis dans un espace où le patriotisme peut être rencontré avec empathie et un chemin uni vers une «justice pour tous» plus vraie.

Pensez à la tradition chorale britannique, et l’esprit se tourne vers les chœurs massifs d’il y a cent ans, ceinturant le chœur «Hallelujah» – ou peut-être vers les beautés profondes de l’âge Tudor, l’œuvre d’hommes comme Thomas Tallis et William Byrd . Mais la tradition perdure. Dans «Media vita», la jeune compositrice Kerensa Briggs s’inspire de l’un de ces Tudors, John Sheppard, et de son chef-d’œuvre du même nom. Elle transforme un texte qui plaide pour la miséricorde face à la mort en trois minutes de musique poignante, ambivalente, tranquillement dévastatrice; Sheppard aurait sûrement été fier.

La partition de cette doxologie par Wynton Marsalis est un moment fort de sa «Messe abyssinienne», qui co-interprète Chorale le Château du chef Damien Sneed. Au début de cet enregistrement avec le Jazz at Lincoln Center Orchestra, des voix de soprano et d’alto chantent le texte à tour de rôle, tandis que les voix de ténor et de basse se déplacent ensemble. Plus tard, ces moitiés du chœur échangent des motifs. À l’apogée, nous faisons l’expérience d’une unité à l’échelle du chœur. Tout est ancré par les instrumentistes du Lincoln Center, qui ailleurs profitent de leurs propres chances de jouer des variations élaborées sur le motif central du mouvement.

Les chœurs d’opéra n’ont pas besoin d’être bruyants et bruyants pour faire bonne impression. Le «Humming Chorus» de «Madama Butterfly» de Puccini opère sa magie avec sa simplicité et sa mélodie sans paroles. Les chanteurs n’apparaissent pas sur scène et, sans texte, leur son transmet les émotions que l’auditeur éprouve à ce stade de l’opéra. Cela pourrait être la solitude de Butterfly, ou l’espoir qu’elle ose presque ressentir. Le doux bourdonnement pourrait être le bruissement des fleurs de cerisier, le scintillement des lucioles. Le son du chœur et de l’orchestre nous suspend, à bout de souffle, dans le temps.

Pour les exercices d’ouverture du premier été du Berkshire Music Center à Tanglewood, en 1940, le chef d’orchestre du Boston Symphony Serge Koussevitsky a chargé le compositeur américain Randall Thompson d’écrire une pièce chorale. Thompson a terminé son «Alleluia» de cinq minutes quelques heures avant la cérémonie, où il a été interprété non seulement par les chanteurs du programme de formation, mais aussi par tous les instrumentistes et professeurs participants. Cette pièce richement texturée, lumineuse, mélancolique et tamisée a été interprétée à chaque ouverture de Tanglewood depuis, et est également devenue un favori pour les services religieux, les concerts et les exercices de début. À juste titre.

La première fois que j’ai regardé Donald Lawrence et les Tri-City Singers interpréter «Matthew 28», j’ai été captivé – figé, même – mais revigoré, émerveillé alors que j’essayais de traiter l’ampleur de la performance multidimensionnelle. Pour moi, c’est un chef-d’œuvre qui relie habilement des éléments du style gospel traditionnel aux pratiques contemporaines, tout en englobant également des éléments de funk, de jazz et de musique classique. Rempli de changements inattendus de dynamique et de textures chorales, c’est une interprétation fascinante, presque cinématographique, de l’histoire de la résurrection.

La première fois que j’ai entendu le «Lamento d’Arianna» de Monteverdi, c’était en 1972, dans un atelier de musique ancienne. Nous le lisions à vue, à une époque où Monteverdi n’était pas très connu, et nous étions tous visiblement émus par les dissonances exquises que nous chantions. À la fin, un cricket très bruyant nous applaudissait ou nous donnait une sérénade, et nous nous sommes tenus ensemble, admirant sa chanson et l’expérience. Ecrite il y a plus de 400 ans, la complainte conserve sa fraîcheur, et à ce jour elle passe encore le test «m’amène aux larmes».

Une découverte transformatrice du début de la vingtaine: dans les derniers instants de la huitième symphonie de Mahler, deux sopranos échangent (miraculeusement) un si bémol aigu, un chant qui «nous tire toujours vers le haut» – des mots que le chœur fait écho avec un geste de désir et d’appel. C’est une question musicale à laquelle, quelques secondes plus tard, répond une arrivée, libérant toute la puissance du chant et du jeu en commun: «Tout ce qui est éphémère n’est qu’une parabole». Cela exige que nous nous levions. Cela exige que nous considérions qui nous sommes. Cela m’a appris que mon intérêt n’est pas dans la rédemption d’une vie future, mais dans la musique rédemptrice que les êtres humains ordinaires créent à partir de rien. De ce grand collectif, l’orchestre émerge seul dans un dernier cri: «Viens, viens.» C’est tout juste chanter.

Écrit par un jeune Samuel Barber en 1940, «The Coolin» définit les paroles du poète James Stephens, qui a basé ses cinq strophes sur une vieille chanson d’amour irlandaise; le mot «coolin» se référait à l’origine à une boucle à la base du cou d’une fille et a évolué pour devenir un terme désignant sa chérie. Barber a l’oreille pour une harmonie accessible, mais pas banale. Il me ravit en mettant en valeur certains mots («vin») avec un subtil changement d’accord. Il utilise un rythme pointillé chantant pour une grande partie de la pièce. De la ligne d’ouverture – «Viens avec moi, sous mon manteau» – au dernier «Reste avec moi», les mots et la musique parlent parfaitement au cœur de l’auditeur.

Je me souviens très bien de mon introduction au brillant et effervescent «Magnificat anima mea» de John Rutter, le premier mouvement de son Magnificat: c’était le concert choral annuel de mon lycée, pendant ma première année. La pièce s’ouvre sur une fanfare de trompette lumineuse, puis emprunte un voyage coloré plein de changements rythmiques, juxtaposés au beau contrepoint mélodique et brossé d’une orchestration parfaitement équilibrée. Les lignes vocales sont pleines d’exclamations festives, ce qui en fait un cadre parfait du texte latin: «Mon âme magnifie le Seigneur.»

Je ne peux pas dire avec certitude qu’il s’agit d’un motet de Bach. Dans ses notes de doublure pour un enregistrement de celui-ci, le chef d’orchestre John Eliot Gardiner conclut: «Nous ne pouvons pas être totalement sûrs, mais d’après les preuves de la façon dont la partition est présentée, cela suggère qu’elle a effectivement été composée par Bach. Indépendamment de sa paternité, cela ne manque jamais de m’émouvoir. L’expressivité de la musique est intensément humaine, exprimée en deux moitiés contrastées: la première à la voix claire, avec des harmonies alternativement fracassantes et sereines, et la seconde polyphonique, une œuvre d’une magnifique complexité.

En seulement deux minutes ici, vous obtenez Mozart au sommet de ses modes face à Janus: sublimement solennel, puis vertigineusement ludique. C’est la fin de «The Magic Flute» et, comme le dit le chœur, le courage, la beauté et la sagesse ont triomphé. La foule remercie les dieux Isis et Osiris, mais la célébration est tellement humaine – trouver la joie d’être (et de chanter) ensemble.



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