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5 minutes qui vous feront aimer Brahms


Dans le passé, nous avons choisi les cinq minutes environ que nous jouions pour faire tomber nos amis amoureux de la musique classique, du piano, de l’opéra, du violoncelle, de Mozart, des compositeurs du XXIe siècle, du violon, de la musique baroque, des sopranos, Beethoven, la flûte, les quatuors à cordes et les ténors.

Maintenant, nous voulons convaincre ces amis curieux d’aimer la musique de Johannes Brahms (1833-97), maître des exclamations symphoniques émouvantes et des solos de piano de mauvaise humeur. Nous espérons que vous trouverez ici des tas de choses à découvrir et à apprécier; laissez vos favoris dans les commentaires.

Le début du Concerto pour piano n ° 1 de Brahms est l’une de mes ouvertures de concerto préférées. Il a du drame, de l’intensité et de l’émotion – et c’est avant même que le piano ne se joigne! Le soliste ne vient pas avant près de quatre minutes tandis que l’orchestre a une longue et passionnante introduction illustrant les thèmes du mouvement. Brahms utilise l’orchestre complet, avec beaucoup de grandeur, donc l’entrée du piano est toujours une belle surprise, avec un rendu très lyrique et doux. Et après une si longue attente!

Quand mon père est mort en 1997, j’ai pris la résolution de ne pas écouter de musique pendant deux mois. Et après deux mois, la voix de mon père m’a dit: «J’ai besoin que tu joues de la musique maintenant.» Alors j’ai allumé la radio. J’emmenais mon fils à l’école et dès que je l’ai allumé, j’ai entendu cette mélodie. Mon père jouait du violon, et j’ai senti une connexion, qu’il me dirigeait vers cette chanson; il s’est avéré que c’était Brahms. Peu de temps après, nous travaillions sur “Supernatural” avec Dave Matthews, et cette chanson est revenue. Je l’ai partagé avec Dave, et la chose suivante que vous savez, c’est sur l’album comme «Love of My Life».

Contrairement à beaucoup de musiciens modernes qui sont très attachés à cette question d’individualité, j’admets ouvertement le vol. Je vole. Et je vole beaucoup à Brahms. Parfois, ce n’est pas intentionnel, et parfois c’est assez intentionnel. C’était 50/50. J’ai fait de la musique pour «Ma Rainey’s Black Bottom» et j’ai écrit une pièce mélancolique pour Toledo, le pianiste du film et l’orchestre à cordes. J’écris la mélodie et je l’ai résolue dans les troisième et quatrième mesures. J’ai volé cette seconde moitié quelque part, mais il m’a fallu des semaines pour savoir où. Bien sûr, je l’ai pris à l’un des intermezzos de Brahms.

Mon introduction à Brahms a eu lieu en 1975 au Carnegie Hall, où Herbert von Karajan dirigeait les deuxième et quatrième symphonies avec l’Orchestre philharmonique de Berlin. Je venais de passer une audition pour lui; il m’a demandé de préparer le solo de soprano du «Requiem allemand» pour que je puisse le chanter à la fin de la tournée, et il m’a invité au concert. Ce fut une expérience inoubliable. J’ai enregistré plus tard le «Requiem» avec lui et l’Orchestre philharmonique de Vienne: je dédie ce solo à tous ceux qui ont perdu des êtres chers ou qui souffrent à cause de cette pandémie, des travailleurs essentiels et des victimes de conflits et de tragédies partout dans le monde.

Dédié à Clara Schumann, cet intermezzo est émotionnel et intense. Il a un sort magique, une aura aimante qui touche doucement le cœur. La puissance de cette musique vous envoie dans un monde d’introspection et de tranquillité intime. C’est une pièce qui ne meurt jamais; cela fait allusion à quelque chose que vous ne pouvez jamais saisir. Vous écoutez sa poésie, et cela vous oblige à l’écouter encore et encore.

J’adore le Brahms spacieux, sondant et maussade; les Brahms de largeur et de profondeur; le compositeur progressif dont le langage harmonique mature a anticipé l’atonalité de Schoenberg. Mais Brahms, pianiste virtuose dans la fleur de l’âge, a aussi un côté sauvage, une séquence voyante. Et aucune musique ne le saisit mieux dans cette veine que la finale dansante et vertigineuse de son Quatuor avec piano n ° 1 en sol mineur, qu’il appelle un rondo «à la gitane». Sur cet enregistrement passionnant de 1967, Artur Rubinstein, alors âgé d’un mois à peine 80 ans, rejoint des membres bien plus jeunes du Quatuor Guarneri.

Voici plus de ce jovial Brahms: la finale de son Concerto pour violon, une danse avec un pied dans une somptueuse salle de bal, l’autre sur une place de village délabrée. Après le tendre mouvement lent du concerto, c’est une explosion irrésistible. La soliste ici est Janine Jansen aux tons argentés; Je l’ai entendue jouer ça peu de temps avant le début de la pandémie, c’est donc pour moi un précieux rappel de ce qui s’est passé avant – et de ce qui va suivre.

Brahms nous a donné une musique d’une grande profondeur émotionnelle qui nous oblige à faire une pause et à réfléchir. Dans l’ensemble, son comportement musical est sérieux et magnifiquement mélancolique. Son «Requiem allemand» vit avec moi depuis mon adolescence en Afrique du Sud, quand je l’ai entendu pour la première fois lors d’un festival artistique. Trois ans plus tard, je me suis tourné vers elle pour pleurer la perte dévastatrice de ma grand-mère. Au lieu du traditionnel Requiem latin, Brahms a assemblé son propre beau texte à partir de sources bibliques, dans un cadre qui leur a donné de nouvelles significations. Du motif d’ouverture des violoncelles aux premiers mots chantés par le chœur – «Heureux ceux qui pleurent» – nous sommes embrassés avec chaleur, confort et, oserons-nous dire, amour. J’ai dû m’y remettre pendant cette pandémie pour pleurer tranquillement la perte d’amis proches.

Quand j’avais 11 ans, je suis devenue sourde à cause d’une otite. Après une opération, j’ai été emmenée à un concert pour essayer ma récupération auditive. L’effet de cette musique était écrasant. Plus tard, je me suis rendu compte qu’aucun autre morceau de musique ne commençait comme ça: à la crise, au moment critique. Sur le battement insistant d’un tambour, l’orchestre monte lentement vers le haut, se tendant contre la gravité, se débattant si fort mais échouant. Cela m’a parlé même quand j’étais enfant. Comment quelque chose d’aussi déchirant pourrait-il être si beau? Où cette lutte immense a-t-elle mené? Je devais savoir.

Les émotions les plus intimes de Brahms se sont manifestées dans ses derniers ensembles de pièces pour piano, op. 116 à 119. Mon appréciation pour eux a grandi à chaque rencontre: d’abord, lorsque j’ai appris certains d’entre eux en tant qu’étudiant de premier cycle en piano; plus tard, quand j’ai eu l’occasion de les étudier à l’école supérieure; et, plus récemment, alors que les dernières pensées de ce compositeur résonnaient dans notre maison alors que ma femme, Deborah, jouait et enregistrait l’Op. 119 ensemble. Ces pièces se sentent personnelles et remarquablement mûres dans leur simplicité, regorgeant d’une abondance de beauté et de détails complexes.

Je repense à mon beau-père ornithologue qui se demandait à haute voix: «Comment Brahms a-t-il pu créer une musique qui ressemble à l’immensité de la nature?» Et à mon ancien professeur qui ruminait que Brahms essayait toujours d’écrire des textures trop grandes pour un ensemble donné. J’écoute le mouvement lent du quintette de clarinette et j’entends, à un niveau microscopique, qu’il est en train de créer un monde sans limites. C’est comme voir le tendon du corps, les veines des feuilles. Il y a tant à absorber: la richesse des harmonies, le rythme des duplets et des triolets se frottant les uns contre les autres. Ils se rassemblent tous pour lier la tristesse et la beauté de cette œuvre révélatrice.

La Quatrième Symphonie de Brahms ne manque jamais de remplir les sièges de salle de concert avec son charme et son interaction familière entre les cordes et les bois. J’adore ça à cause de ce que ça me fait ressentir. C’est un vieil ami qui visite. Ensemble, nous marchons le long d’un sentier boisé, riant et rappelant dans un dialogue constant tous les souvenirs heureux des festivals d’été passés.

Quand je suis allé à la Manhattan School of Music au milieu des années 1980, j’allais à la bibliothèque pour faire mes devoirs d’écoute. Un jour, je me préparais à lire le Brahms Op. 40 Trio; une version avait l’air intéressante parce qu’elle avait été enregistrée au Festival de Marlboro, ce que je savais, même en première année, était prestigieux. Le joueur de cor était Myron Bloom, l’un des plus grands – même si je n’avais aucune idée de qui il était à l’époque. Le pianiste Rudolf Serkin et le violoniste Michael Tree étaient également des légendes. Cet enregistrement a changé ma perception de ce qu’est la musique classique – et à quel point le cor français pouvait s’intégrer dans le canon.

«Musique pour l’âme», «médecine pour la voix»: ce sont deux des commentaires de mes chanteurs lorsque nous avons réalisé cet enregistrement de «A German Requiem». Approfondir le texte – son phrasé, sa diction et sa signification – faisait partie d’un voyage fascinant avec ce grand chœur et orchestre, savourant la compréhension instinctive de la tradition; le son choral chaleureux et velouté; et la virtuosité de l’Orchestre philharmonique de Berlin. Tout s’est réuni. Cette pièce est si bien connue en Allemagne que vous pouvez sentir le public chanter avec son imagination; c’est la musique qui nous élève lorsque nous la partageons.

Ce n’est pas seulement étrange, le passage du majeur au mineur: dans cette course à bout de souffle d’un Scherzo, cela se sent violent, avec des enjeux existentiels, alors que les deux modes se disputent le contrôle avec l’urgence crue d’antagonistes se battant au sommet d’un train en fuite. Le rythme, lui aussi, vire brusquement entre les formes doubles et triples, alors même que l’élan avance. Le sentiment d’unité et de flux propulsif qui se dégage de ce mélange déstabilisant d’éléments est étrange – Brahms à son meilleur enivrant et intelligent.

Brahms était-il un classiciste ou un progressiste? Pourquoi pas les deux? L’approche sobre et astucieuse de Wilhelm Kempff aux œuvres pour piano tardives nous rappelle comment tout rassembler. De magnifiques lignes mélodiques sont façonnées avec une qualité de chant; les ruptures surprenantes ont une jouissance taquine. Et peu de temps après les trois minutes d’un enregistrement de l’op. 119, n ° 4, Kempff honore certaines notes graves égarées et croquantes qui troublent le passage par ailleurs mélancolique – équilibrant l’étrangeté de Brahms avec sa grâce.

Avec et en musique, on peut résister au chaos ambiant de la vie et retrouver une harmonie possible qui ne parle pas de paradis perdu mais de paradis retrouvé. Le romantisme est une manière d’être. C’est un combat pour l’intégralité, pour l’essentiel. C’est aller vers cet objectif les mains vides et le cœur ouvert. La musique est une passion qui a trouvé son rythme. Avec Brahms, le pouls intérieur de la musique est très proche de celui du cœur humain. À travers sa signature «Rückblick», ce sentiment de désir et de retour en arrière, sa langue devient poignante au-delà des mots.

Si quelqu’un vous dit que Brahms est ennuyeux ou sans émotion – et, de manière déconcertante, cela ne peut que se produire – répondez simplement avec l’un des trois intermezzos de son Opus 117. Après le premier, une berceuse d’une beauté écrasante, vient n ° 2, en Si bémol mineur. C’est aussi une berceuse, avec une mélodie mélodieuse – aussi simple que les phrases à deux notes qui ouvrent sa Quatrième Symphonie – émergeant de pistes doucement fluides. Malgré l’architecture en cascade, ce n’est pas tant une effusion passionnée qu’une invitation, d’une âme solitaire à une autre, pour cinq minutes d’intimité profondément ressentie.

Il m’a fallu beaucoup de temps pour aimer Brahms, dont la musique m’a par le passé semblé trop somnolente – «automnale», nous l’appelons souvent les critiques. Ce n’est que lorsque le temps m’a forcé à apprendre que vivre c’est perdre, je pense, que je suis devenu obsédé par le côté sombre de ses partitions: le chagrin et le chagrin, la solitude et la culpabilité, le désespoir, voire la colère. Nulle part cette obscurité n’est plus engloutissante que dans sa quatrième et dernière symphonie, une œuvre avec de la rage en son cœur, quel que soit le visage qu’elle tente de maintenir. Et aucun chef d’orchestre n’a rendu ses horreurs plus dévorantes que Wilhelm Furtwängler.



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